Pintor, muralista, escultor y diseñador que marca su huella a través de colores vivos y planos, Okuda crea realismos mágicos repletos de fantasía y sorpresa. No pasan desapercibidos al espectador sus paisajes idílicos transformados en polígonos divididos, coloristas y simétricos.

El artista mantiene una clara relación imaginaria con su obra, a la que dota de una singular factura, revolucionaria y cosmopolita. Geometría multicolor, envuelve espacios urbanos con sus grandes formatos entusiastas de la visibilidad y el capricho.

Color urbano, color pop.

La obra de Okuda, se adscribe al surrealismo pop, influenciada por el street art.  Los estampados multicolores visten figuras sin cabeza, animales antropomórficos, o espacios infinitos. Refleja retazos de la filosofía existencialista, que ahonda en la estrecha y tóxica relación entre la modernidad y el origen del hombre.

Representaciones simbólicas que remiten al anticapitalismo y a la hipocresía de la sociedad actual, quien se representa a sí misma a través de imágenes que imitan una felicidad fingida y un postureo enajenado del ser.

El arte de Okuda es un arte pop que da color a la moda, al cine y a la multiculturalidad, vista en muchas ocasiones a través del cristal de grandes obras clásicas. Un ejemplo de ello es su peculiar visión del “Jardín de las delicias” de El Bosco.

Arquitectura y vanguardia en sus coloridas esculturas rompen con el pasado mostrando al espectador una postura de carácter experimental, de claro contenido artístico. Gran escenografía y teatralidad, son los flujos que envuelven las exentas formas tridimensionales o no de Okuda.

Arte biológico y esquemático.

Su percepción biológica del arte se conjuga con la interpenetración de formas geométricas, en cuerpos neoplasticistas arropados con soluciones de formas y color. El artista combina íntimamente lógica y racionalidad, con figuras esquemáticas repletas de una acción ralentizada y plana.

Okuda ha desarrollado con su obra una expresividad que se identifica con el valor plástico de la forma orgánica. Un arte formalista de orientación constructiva que estimula la metamorfosis del color real en otro mágico.

Emplea un lenguaje explícito con metáforas muy potentes de claro signo social. También cabe destacar el horror vacui en todas sus composiciones, en las que resulta imposible incluir ni un soplo de aire.

Arte conceptual en las calles, atiborrado de matices y tonos de gran brillantez, constituyendo una realidad “surrealista”, con un estilo depurado y desnudo, que disimula, o quizás enfatiza, el elemento retórico de la obra.

Atracción racionalista y subordinada.

San Miguel, por la singularidad de sus trabajos y la consecuencia de su tridimensionalidad, se inscribe en el espacio real.  Crea así, una relación entre la propia obra y el observador, de gran atracción, derivada por ese orden estructural y racionalista, que subordina las partes al conjunto total.

Emplea elementos que parecen prefabricados, incluso mecanizados, para representar su fascinación geométrica en espacios colorísticos e incluso decorativos. Una visión de gran misticismo matemático.

El artista, con una amplia paleta de color, crea un elemento en una esquina, que más tarde equilibra en otra, buscando constantemente el balance idóneo. Y como consecuencia, esos aspectos mágicos a sus trabajos.

Sus pinturas, al igual que sus esculturas, parecen calar en su interior a través de una capa mórbida de movimiento estructurado, para ensalzar las formas y los temas representados, con gran originalidad y transgresión.

Equilibrio vanguardista.

Abstracción colorista, con un juego dinámico de efectos ópticos, cubre espacios urbanos vistiéndolos de estilo y vanguardia. La atmósfera transmitida al transeúnte le impregna de sensaciones visuales de orden y equilibrio.

Las impresiones multicolores se amalgaman con cuerpos grises en una clara identidad callejera. En sus inicios, Okuda San Miguel pintaba fábricas abandonadas y vías férreas sin norte, en su Santander natal, junto con un grupo de amigos, autodenominados los Jungle Jonky.

En la actualidad, sus trabajos se dispersan entre temáticas tan variadas como el infinito, la falsa libertad del capitalismo, o el universo, entre otros asuntos. Por lo que podemos decir, que San Miguel es un artista que plasma su intelectualidad teórica en armazones de color y formas jerarquizadas.

Una huella inconfundible.

Su evolución lenta pero constante ha llevado a Okuda a forjar una huella distintiva, que tiene como vehículo una iconografía absolutamente reconocible. Su arte es una evolución de él mismo, de su propia persona, y de su manera de sentir el entorno social que lo rodea.

Sus composiciones surrealistas son inclusivas con la realidad del mundo actual, una realidad contemporánea que merece ser representada desde distintos prismas, para poder verla mejor.

El color del color del color, hacia el color, estructuras geométricas y simetrías estructuradas, esto es Okuda San Miguel.

La ciudad otorga al artista callejero un espacio para su performance, y un contexto social comunicativo en el que el discurso del autor se encumbra con alas libertinas. Un arte por y para la sociedad, un arte visibilizado y emergente, en definitiva, un arte al alcance de todos.

El paisaje es intervenido por artistas como Sixe Paredes o SIXEART

Sergio Hidalgo Paredes (Barcelona 1975), alias Sixe Paredes o SIXEART, se inició en la década de los 80 con el graffiti. En los 90 experimentó en los ámbitos de la escultura y la pintura, así como en la realización de instalaciones, llegando a nuestros días como un referente español del arte urbano.

SIXEART GLOBALIZADO.

Sus trabajos han visto la luz internacionalmente, en espacios urbanos, galerías y organismos de primer orden como la Tate Modern de Londres. Sixeart es un artista autodidacta apasionado por el arte en entornos urbanos, que, además, forma parte del colectivo de artistas «El Equipo Plástico» (www.equipoplastico.com) conformado por él, Nuria Mora, Eltono y Nano4814.

Respecto a su obra, Sixe Paredes se recrea en la interacción entre obra y contexto urbano. Manifiesta sus ideas mediante la invasión o la interrupción, estableciendo una conexión fuerte entre sociedad, arraigo y espacio público.

El color preside su obra. Sus tonalidades fluyen por intricadas geometrías, elementos numéricos laberínticos, y la inquietud del artista por lenguajes y cosmologías ancestrales, relacionados con la antropología precolombina.

SIXEART DOBLEGA EL AYER A UN HOY DE VANGUARDIA.

Imperan pasado y futuro en sus trazos radiantes, su obra experimenta la conjunción de artesanía con técnicas de vanguardia. Sixeart entrega así en cada trabajo una inyección experimental y vital de sus viajes y contacto con otras culturas y sociedades.

Grandes formatos, iluminados y jubilosos conforman fachadas y espacios que antes de Sixeart no conocían la emoción del encuentro. Una reunión social y artística que rinde homenaje a sus espectadores, impidiendo la indiferencia por lo común. Sus trabajos remarcan solidaridad, un atributo muy carente en nuestro tiempo, que sin embargo se aprecia en sus creaciones.

SIXEART Y EL ARTE DEL MUTUALISMO.

Otro concepto que cabe destacar en su obra es el de mutualismo, qué si bien en el mundo animal es un recurso intrínseco en muchas especies para su supervivencia, para Sixeart también lo es. Me refiero al mutualismo existente entre el artista y el espacio urbano, ambos beneficiados el uno del otro, y por ende con un resultado que se arroja a un arte eminentemente social.

La obra de Sixeart es muy terrenal, en ella incluye elementos y temáticas heterogéneas como la familia, animales, niños, erotismo, siempre desde una perspectiva emocional positiva. El artista irradia optimismo en sus pinceladas y trazos. Los sprays vociferan color en las paredes dejando su halo suspendido en el aire.

SIXEART Y ARTE PORTÁTIL.

El autor se define como un autodidacta, que partiendo de su intuición positiva frente a la vida en comunión con la base grafitera, le ha llevado a experimentar además en el ámbito más íntimo del lienzo.

Telas para interiores, que recrean las inercias artísticas y los sentimientos de orden y simetría. Sixeart es un artista purista del control en sus representaciones, qué si bien no las proyecta hacia un final certero, tampoco va a la deriva. Se deja llevar por los requerimientos de la propia obra.

Crea esculturas con materiales como el alambre, que también se muestran como mallas de simetría. Objetos-mueble que a través de sus relieves emanan orden y control, positivismo y fascinación por el equilibrio.

KEYWORDS = SIXEARTLAND

Una idea de Keywords sobre Sixeart e interpretar su obra serían: Ordenación, colocación, distribución, configuración, situación, disposición, organización, coordinación, sistema, método, estructura, paz, disciplina, equilibrio, balance.

Y todas estas Keywords se cristalizan a través de circuitos visibles que conectan unos elementos con otros. Una red de trayectoria cerrada que estanca la obra en un mundo subjetivo y racional, antagonismos permitidos en sus circuitos lineales distribuidores de figuras superpuestas en diferentes dimensiones de capas.

Sixeart se muestra exigente con su obra, la satisfacción de lograr un trabajo óptimo admite el no desprendimiento de ellas si no son recibidas con entusiasmo y reconocimiento.

Sixe Paredes

El Informalismo se agotó, y en los 60 Bacon reinventó el lenguaje de la figuración, la Neofiguración. El artista que comenzó su actividad como decorador de interiores, decidió en los 30 dedicarse al arte pictórico de forma autodidacta, llegando a 1947 dedicándose a esta disciplina en plenitud.

Sus aportaciones anteriores al drástico y exitoso cambio de rumbo neofigurativo, fue un período con interesantes aportaciones, sin embargo, en los 60 alcanzó la revolución figurativa. Bacon se nutría de fotografías y obras de arte del pasado, especialmente admirador de Velázquez, Goya y Rembrandt. Imágenes que en muchos de los casos siempre permanecieron en su estudio, en el suelo y/o amontonadas como en una instalación de povera.

La figuración de Francis Bacon fue inédita en su momento, forma deforme, figura desfigurada, angustia y catarsis pictórico. El individuo representado está sumergido en el desgarro de la sociedad contemporánea, una visión muy crítica de la actualidad que vivió el artista.

Sus composiciones encierran a los personajes entre paredes frías y desamparadas. Los aprisiona entre la incertidumbre y la angustia, y es así como los deforma. Deconstruye sus formas creando imágenes de gran impacto visual por su descarnada soledad e inseguridad.

Bacon mostró al ser agonizando, destruido en su propio habitáculo, sin esperanza ni nadie que se apiade de su alma. Las figuraciones que apreciamos en sus obras, nos impactan por su gravedad. El artista ha erosionado las figuras hasta sumirlas en la más profunda decadencia.

Desde “El grito de Munch” no se había expresado pictóricamente la angustia y la soledad, desde una perspectiva tan cruda y esperpéntica. La metamorfosis de la forma que no llega a convertirse en mariposa, sino que por el contrario se transforma en gusano con piernas, brazos y cabeza. Un gusano afligido sumergido en el desconsuelo y la agonía.

Trozos de carne muerta, cruda como el temor, sonrosada como la ansiedad de un mortal asustado. Individuos transformados hasta someterlos a la desfiguración de su pena. Bacon fue pionero en la representación del desequilibrio, proyectándolo en escenarios de inquietante plasticidad.

La disposición de las figuras en los lienzos, la transfiguración del agobio y la amargura, o la manera en que trató los rostros, fueron plasmados con una pintura dinámica y expresiva. De trazo ágil pero gentil, subrayó las líneas de sus figuras para mostrar al espectador que estas existían previamente a la mutación.

Una de sus grandes obras, fue la inspirada en el “Papa Inocencio X” de Velázquez. Imagen que deformó y transmutó hasta convertirla en una escena de ciencia ficción, casi extraída de un tráiler al más puro estilo de Álex de la Iglesia.

Su obra no pasó desapercibida ni siquiera a la entonces Primera Ministra británica Margaret Thatcher, quien comentó: “El hombre que pinta esos cuadros horribles”. Así, que Francis Bacon tuvo tantos entusiastas como detractores, y es que su obra se alimentaba de la atmósfera gaseosa de lo oscuro y malicioso del alma humana.

Cuerpos desmembrados, mutilados y expuestos como en un escaparate de carnicería. La guerra, su experiencia personal de ser rechazado en su propia familia o su tendencia a la autodestrucción, han alimentado sus telas. Ha crucificado al hombre, ha sellado su huella con una lectura de la cotidianidad, pesimista y sucia.

La unidad de las obras de Bacon no carece de ambigüedad, percibida esta, cuando el espectador admira cualquiera de sus trabajos desde distintos ángulos. Su pincel ha resultado ser de los más emblemáticos y perturbadores del siglo XX.

El período tras la Segunda Guerra Mundial, fue caldo de cultivo de sus atormentadas y descompuestas composiciones. El ser humano ha perdido la razón, se ha convertido en un monstruo y ahora vive su propia deformidad.

Inicialmente, sus trabajos no obtuvieron una buena acogida, todo lo contrario, por lo que el pintor destruyó gran parte de su obra temprana. No obstante, en 1946 su reputación comenzó a eyectarse cuando el Museum of Modern Art de Nueva York, adquirió para sus fondos la obra “Pintura”, con factura del mismo año.

Francis Bacon, un artista existencialista que desmoronó la figura humana a través de metáforas espirituales, de gran carga emocional y sensitiva. No hay observador que no quede sorprendido por el salvajismo compositivo del autor. Arte, orden y azar, así se ve un Bacon.

La felicidad que no perdura se llama placer: El arte y los amantes.

Tradicionalmente “el amor” ha sido el caldo de cultivo perfecto para crear composiciones artísticas de gran simbolismo romántico y trágico. Desde la Antigüedad hasta nuestros días, “el amor” ha deambulado por todos los géneros, dejando su huella sempiterna.

Literatura, ópera, escultura, pintura, grafitti…todas las categorías han abrazado pasiones, celos, deseos y enamoramientos. Las escenas representadas y sus personajes han conocido el drama, el romance o la comedia, una diversidad de estilos y perspectivas dónde sus protagonistas de una u otra forma han sido tocados por cupido.

Amantes históricos y el arte.

Parejas de amor, binomios cómplices, suspiros de plenitud, en definitiva, amantes que han tenido su espacio en el arte. Romeo y Julieta, Venus y Marte, Jasón y Medea, F. Scott y Zelda Fitzgerald, Cleopatra y Marco Antonio, Tristán e Isolda, y un sinfín de parejas históricas han sido representadas artísticamente.

Leyenda e historia han cedido a los artistas el testimonio de un momento mágico. Lienzos, mármoles, novelas, cine, música, cualquier soporte capaz de transmitir el amor es un buen vestigio para la posteridad.

Multitud de amantes desconocidos también han sido representados. El escultor rumano Constantin Brancusi realizó en 1910 la escultura “El beso”. Una talla en piedra, cuya singularidad socava en la simplicidad. No obstante, a pesar del frío material empleado, el momento captado no deja lugar a dudas, la pasión de dos enamorados se estrecha entre sus brazos, tan fuerte, que ni un silbido los podría atravesar.

En el mundo no deseo más compañero que tú.

Shakespeare, escribió en La tempestad: “En el mundo no deseo más compañero que tú”. Cita que el pintor Gustav Klimt pareció inmortalizar con sus pinceles en varias ocasiones. Sus amantes han visto la luz en obras como “Amor” de 1895, o “El beso” de 1907-8.

Paris y Helena fueron los amantes que, por su desmesurado amor, provocaron un tremendo episodio bélico, la guerra de Troya, en la Ilíada de Homero. Causa trágica inmortalizada por Jacques-Louis David en 1788, en su magistral obra de estilo neoclásico. El artista, creó una atmósfera íntima inspirada en los modelos escultóricos y mitológicos de la antigua Grecia.

Pablo Picasso en 1923 realizó una pintura figurativa denominada “Los amantes”. En ella, a través de una síntesis formal, representa a dos jóvenes enamorados cuyas manos unidas otorgan el simbolismo de la unidad.

El Gran Gatsby, tormenta de amor.

“El Gran Gatsby” de F. Scott Fitzgerald, es sin duda una de las novelas que reflejan literariamente las pasiones de los enamorados. Tormenta de amor, mentiras y sueños. Dos amantes rotos por sus destinos. Obra literaria llevada al cine con protagonistas de la talla de Robert Redford y Leonardo DiCaprio, este último que además en 1996 también protagonizó el film “Romeo y Julieta” de Shakespeare.

Los amantes en el arte, yacen en su pequeño universo envueltos en sedosas emociones. Los artistas han transferido sus visiones románticas a sus medios para así invitarnos a formar parte de ese momento privado. Observando las diferentes obras, sus autores y protagonistas comparten con nosotros esos sentimientos en un torbellino de emoción, ellos nos convierten en voyeristas de su intimidad.

El gesto del amor. Atmósferas de enamorados.

Felicidad y generosa alegría, de la que gozan los amantes en su momento íntimo y reservado; celos y pasiones que hacen pender de un hilo su relación. El arte nos brinda ese momento, un tiempo corto, pleno y cautivador. Una conversación entre amantes, erotismo, sensualidad y

El gesto del amor pintado o esculpido, las dulces palabras que se dedican los amantes, transcritas en ricas páginas de grandes autores. Atmósferas que seducen para que sus personajes enamorados disfruten de un tiempo juntos, derrochando caricias y susurros, tramando huidas y traiciones.

Amantes históricos, mitológicos y de ficción, seducen, cortejan, aman y sienten la fuerza de la vida a través del amor.