El Informalismo se agotó, y en los 60 Bacon reinventó el lenguaje de la figuración, la Neofiguración. El artista que comenzó su actividad como decorador de interiores, decidió en los 30 dedicarse al arte pictórico de forma autodidacta, llegando a 1947 dedicándose a esta disciplina en plenitud.

Sus aportaciones anteriores al drástico y exitoso cambio de rumbo neofigurativo, fue un período con interesantes aportaciones, sin embargo, en los 60 alcanzó la revolución figurativa. Bacon se nutría de fotografías y obras de arte del pasado, especialmente admirador de Velázquez, Goya y Rembrandt. Imágenes que en muchos de los casos siempre permanecieron en su estudio, en el suelo y/o amontonadas como en una instalación de povera.

La figuración de Francis Bacon fue inédita en su momento, forma deforme, figura desfigurada, angustia y catarsis pictórico. El individuo representado está sumergido en el desgarro de la sociedad contemporánea, una visión muy crítica de la actualidad que vivió el artista.

Sus composiciones encierran a los personajes entre paredes frías y desamparadas. Los aprisiona entre la incertidumbre y la angustia, y es así como los deforma. Deconstruye sus formas creando imágenes de gran impacto visual por su descarnada soledad e inseguridad.

Bacon mostró al ser agonizando, destruido en su propio habitáculo, sin esperanza ni nadie que se apiade de su alma. Las figuraciones que apreciamos en sus obras, nos impactan por su gravedad. El artista ha erosionado las figuras hasta sumirlas en la más profunda decadencia.

Desde “El grito de Munch” no se había expresado pictóricamente la angustia y la soledad, desde una perspectiva tan cruda y esperpéntica. La metamorfosis de la forma que no llega a convertirse en mariposa, sino que por el contrario se transforma en gusano con piernas, brazos y cabeza. Un gusano afligido sumergido en el desconsuelo y la agonía.

Trozos de carne muerta, cruda como el temor, sonrosada como la ansiedad de un mortal asustado. Individuos transformados hasta someterlos a la desfiguración de su pena. Bacon fue pionero en la representación del desequilibrio, proyectándolo en escenarios de inquietante plasticidad.

La disposición de las figuras en los lienzos, la transfiguración del agobio y la amargura, o la manera en que trató los rostros, fueron plasmados con una pintura dinámica y expresiva. De trazo ágil pero gentil, subrayó las líneas de sus figuras para mostrar al espectador que estas existían previamente a la mutación.

Una de sus grandes obras, fue la inspirada en el “Papa Inocencio X” de Velázquez. Imagen que deformó y transmutó hasta convertirla en una escena de ciencia ficción, casi extraída de un tráiler al más puro estilo de Álex de la Iglesia.

Su obra no pasó desapercibida ni siquiera a la entonces Primera Ministra británica Margaret Thatcher, quien comentó: “El hombre que pinta esos cuadros horribles”. Así, que Francis Bacon tuvo tantos entusiastas como detractores, y es que su obra se alimentaba de la atmósfera gaseosa de lo oscuro y malicioso del alma humana.

Cuerpos desmembrados, mutilados y expuestos como en un escaparate de carnicería. La guerra, su experiencia personal de ser rechazado en su propia familia o su tendencia a la autodestrucción, han alimentado sus telas. Ha crucificado al hombre, ha sellado su huella con una lectura de la cotidianidad, pesimista y sucia.

La unidad de las obras de Bacon no carece de ambigüedad, percibida esta, cuando el espectador admira cualquiera de sus trabajos desde distintos ángulos. Su pincel ha resultado ser de los más emblemáticos y perturbadores del siglo XX.

El período tras la Segunda Guerra Mundial, fue caldo de cultivo de sus atormentadas y descompuestas composiciones. El ser humano ha perdido la razón, se ha convertido en un monstruo y ahora vive su propia deformidad.

Inicialmente, sus trabajos no obtuvieron una buena acogida, todo lo contrario, por lo que el pintor destruyó gran parte de su obra temprana. No obstante, en 1946 su reputación comenzó a eyectarse cuando el Museum of Modern Art de Nueva York, adquirió para sus fondos la obra “Pintura”, con factura del mismo año.

Francis Bacon, un artista existencialista que desmoronó la figura humana a través de metáforas espirituales, de gran carga emocional y sensitiva. No hay observador que no quede sorprendido por el salvajismo compositivo del autor. Arte, orden y azar, así se ve un Bacon.

La felicidad que no perdura se llama placer: El arte y los amantes.

Tradicionalmente “el amor” ha sido el caldo de cultivo perfecto para crear composiciones artísticas de gran simbolismo romántico y trágico. Desde la Antigüedad hasta nuestros días, “el amor” ha deambulado por todos los géneros, dejando su huella sempiterna.

Literatura, ópera, escultura, pintura, grafitti…todas las categorías han abrazado pasiones, celos, deseos y enamoramientos. Las escenas representadas y sus personajes han conocido el drama, el romance o la comedia, una diversidad de estilos y perspectivas dónde sus protagonistas de una u otra forma han sido tocados por cupido.

Amantes históricos y el arte.

Parejas de amor, binomios cómplices, suspiros de plenitud, en definitiva, amantes que han tenido su espacio en el arte. Romeo y Julieta, Venus y Marte, Jasón y Medea, F. Scott y Zelda Fitzgerald, Cleopatra y Marco Antonio, Tristán e Isolda, y un sinfín de parejas históricas han sido representadas artísticamente.

Leyenda e historia han cedido a los artistas el testimonio de un momento mágico. Lienzos, mármoles, novelas, cine, música, cualquier soporte capaz de transmitir el amor es un buen vestigio para la posteridad.

Multitud de amantes desconocidos también han sido representados. El escultor rumano Constantin Brancusi realizó en 1910 la escultura “El beso”. Una talla en piedra, cuya singularidad socava en la simplicidad. No obstante, a pesar del frío material empleado, el momento captado no deja lugar a dudas, la pasión de dos enamorados se estrecha entre sus brazos, tan fuerte, que ni un silbido los podría atravesar.

En el mundo no deseo más compañero que tú.

Shakespeare, escribió en La tempestad: “En el mundo no deseo más compañero que tú”. Cita que el pintor Gustav Klimt pareció inmortalizar con sus pinceles en varias ocasiones. Sus amantes han visto la luz en obras como “Amor” de 1895, o “El beso” de 1907-8.

Paris y Helena fueron los amantes que, por su desmesurado amor, provocaron un tremendo episodio bélico, la guerra de Troya, en la Ilíada de Homero. Causa trágica inmortalizada por Jacques-Louis David en 1788, en su magistral obra de estilo neoclásico. El artista, creó una atmósfera íntima inspirada en los modelos escultóricos y mitológicos de la antigua Grecia.

Pablo Picasso en 1923 realizó una pintura figurativa denominada “Los amantes”. En ella, a través de una síntesis formal, representa a dos jóvenes enamorados cuyas manos unidas otorgan el simbolismo de la unidad.

El Gran Gatsby, tormenta de amor.

“El Gran Gatsby” de F. Scott Fitzgerald, es sin duda una de las novelas que reflejan literariamente las pasiones de los enamorados. Tormenta de amor, mentiras y sueños. Dos amantes rotos por sus destinos. Obra literaria llevada al cine con protagonistas de la talla de Robert Redford y Leonardo DiCaprio, este último que además en 1996 también protagonizó el film “Romeo y Julieta” de Shakespeare.

Los amantes en el arte, yacen en su pequeño universo envueltos en sedosas emociones. Los artistas han transferido sus visiones románticas a sus medios para así invitarnos a formar parte de ese momento privado. Observando las diferentes obras, sus autores y protagonistas comparten con nosotros esos sentimientos en un torbellino de emoción, ellos nos convierten en voyeristas de su intimidad.

El gesto del amor. Atmósferas de enamorados.

Felicidad y generosa alegría, de la que gozan los amantes en su momento íntimo y reservado; celos y pasiones que hacen pender de un hilo su relación. El arte nos brinda ese momento, un tiempo corto, pleno y cautivador. Una conversación entre amantes, erotismo, sensualidad y

El gesto del amor pintado o esculpido, las dulces palabras que se dedican los amantes, transcritas en ricas páginas de grandes autores. Atmósferas que seducen para que sus personajes enamorados disfruten de un tiempo juntos, derrochando caricias y susurros, tramando huidas y traiciones.

Amantes históricos, mitológicos y de ficción, seducen, cortejan, aman y sienten la fuerza de la vida a través del amor.