a, consagrada al horror vacui del artista. Nada se escapa a su objetivo, cada gota de sudor de los comensales transmite al espectador el díscolo momento. Diversión y gula. Complicidad y colegueo de unos apóstoles domingueros son elementos plasmados en esta particular representación del sagrado momento.

Entre 1496 y 1497, Leonardo da Vinci ya tuvo su singular visión del momentazo en el que Jesús de Nazaret, se reunió por última vez con sus doce discípulos. En esa ocasión, el ágape de pan y vino, llenó la panza de unos barbudos hipsters propios de la época. Imagen, que se ha perpetuado hasta nuestros días, con las actualizaciones propias de la contemporaneidad, tal y como lo ha demostrado Marcos López.

Boludos son ahora los doce apóstoles, hostigados por el goce, el ansia y la banalidad de un encuentro cualquiera. Esta Última Cena, es tan copiosa y contundente que las carnes churrascadas gotean la carmesí esencia de sus arterias.

Ensaladas de guarnición, permanecen ignotas en insustanciales boles de plástico chino. Las morcillas negras y apretadas han tomado las riendas, ya no hay marcha atrás, ellas, ególatras del banquete. Los apóstoles de López, están tan ensimismados en su festín, que no dedican ni tan siquiera una fugaz mirada a su caudillo.

Cultura popular criolla & cultura sagrada.

Lenguaje Pop  para una imagen de la cultura popular cristiana que destaca un paisaje comestible oteado desde el prisma mundano del objetivo de su autor. Un crisol de color y contraste, destaca el momento relajado y disperso, de una docena de sagrados amigotes concentrados en sus apetitosos platos.

Un “padre” para todos, un vaso de cada padre. Sin ningún criterio protocolario, vino y cervezas yacen en frívolos recipientes. Latas parodiadas como insulsos residuos, cuchillos amenazantes para vacíos, bifes de chorizos y cómo no, para ese despatarrado ser finado, el cochinillo.

La muerte no parece acechar a los convidados, todo lo contrario, esta Santa Cena reivindica la fuerza de la vida. La energía vital en una composición teatral llena de Pop. López se adentra en un mundo dinámico que vira en torno a la comida, el vino, la cerveza y el campo.

Animales domesticados comen absortos en su momento trascendental. Animosos, cargados de vitalidad. Optimistas. Un mundo vivo, colmado de tonalidades y discípulos rollizos.

El artista se aleja del lenguaje elitista de las tradicionales Bellas Artes, y converge irónicamente entre lo kitsch y lo real. Apóstoles futboleros simbolizan la amistad. No se advierte un Judas Iscariote, pero quizás el propio Marcos López en el centro de la imagen representado como Jesús esté a punto de anunciar la traición.

Sin embargo, no parece que el encuentro social encierre alguna cuestión incómoda. La traición de uno de los apasionados comensales, no planea en esta versión de la Última Cena, más bien, es la última de una semana cualquiera que precederá a otras muchas.

Banquete surrealista de realidad y ficción.

Platón, en su obra literaria El Banquete, trató a través de este festín el tema del Amor como el Deseo de la Belleza. Amor que alcanza su mayor grado posible en Dios. Sin embargo, en la comilona de López, su líder es un maestro parrillero que trasmite un amor volcado en el compadreo, vehiculado por viandas y garrafas de vino. Su arenga parece ser «¡Vamos chicos, que no quede nada!».

Es el propio artista, el adalid de una junta de cuñados y compinches. Qué en un día dichoso de sol, dan la espalda a una idílica dehesa y se disponen abigarrados frente al objetivo. El resultado, una surrealista Última Cena, en la que se fusiona pintura y fotografía con colores intensos que no dejan lugar a dudas sobre el significado de su mensaje.

Marcos López titula su trabajo como “Surrealismo criollo”, y lo describe como un surrealismo de mala factura. En sus propias palabras: “Un surrealismo trasnochado que a la vez es otra forma de realismo”. En definitiva, crea composiciones de gran escenografía para situaciones domésticas, que impregna de apariencia casual para luego fotografiar.

Esta reinterpretación de “La ú ” de Da Vinci se llama “Asado en Mendiolaza”, una versión cargada de ironía, elementos criollos y guachos. Una lectura sudaca de un acontecimiento supuesto.

Hadid, ha legado nuevos lenguajes, formas y elementos en los que arte y arquitectura forman un tándem inherente. Ha diseñado la colección de baño Vitae para una marca reconocida a nivel internacional, bajo el amparo de un concepto revolucionario y realizada con magistral técnica en cerámica.

La arquitecta, ha referenciado su compromiso con la innovación, y nos ha entregado a los amantes del arte doméstico unas siluetas naturalistas y orgánicas, que guardan en su esencia el poder de sorprendernos.

Arte, arquitectura, sanitarios y ecología.

Un arte sanitario que además de aportar un diseño dinámico y ergonómico, apuesta por el cuidado del medio ambiente, así como por la sostenibilidad. En esta grácil colección, ha representado un vibrante núcleo de la expresión artística contemporánea.

Atrás quedaron los clásicos soportes del arte. Zaha Hadid nos ha entregado la oportunidad de disfrutar, a quienes se lo puedan permitir, de unas piezas de estar por casa que entregan elegancia y vitalidad. Agua que corre por sus arterias en todos los rangos kelvin.

En la grifería, se atisba un delfín de curvas aerodinámicas emergiendo del océano para ser tocado por los rayos de sol. La clave de su expresión nace de su relación con el agua. La poesía existente entre fluido y grifo, hace que estos elementos domésticos no pasen inadvertidos a ningún mortal.

Modernidad líquida, modernidad en estado puro, modernidad tangible y funcional. Líneas apaciguadas y contemporáneas de gran valor estético. Artificios sensoriales, que ocupan un lugar privilegiado en hogares y espacios colectivos. Son obras de arte artesanales, realizadas con la más alta tecnología. Otorgan resistencia, brillo y movimiento a unos elementos relegados tradicionalmente a su función, y no a su expresión.

Zaha Hadid: Lírica en el baño, poemas que emanan agua.

Depósitos líquidos dejan manar su preciado oro en estado puro, transparente, inodoro, incoloro e insípido para que llegue a nuestra piel como una etérea sensación. Un toque poético bañado por el diseño de Zaha Hadid, quien de forma inteligente y vanguardista ha renovado los cánones de la toilett.

Carácter conceptual en el arte doméstico, el baño visto como un espacio dedicado al deleite y al compromiso con la tecnología. El dinamismo del agua discurre por estas piezas icónicas adscritas al ámbito del diseño de interiores.

Una concepción capaz de conquistar al público más exigente, que ha logrado el galardón en la edición 2017 de los Premios A+Awards del portal Architizer, en la categoría de “Mejor Diseño de Baños y Cocinas”.

Vitae, ha sido la última colección que la diseñadora y arquitecta Zaha Hadid, nos ha legado a los amantes del arte y la arquitectura, cuya inspiración en el movimiento del agua ha desembocado en formas orgánicas en estado puro. Una colección que vibra y hace excepcional la experiencia en el baño.

A+Awards de Architizer, son unas prestigiosas condecoraciones del sector de la comunidad arquitectónica, que anualmente premian a los más notables proyectos de arquitectura, así como a los mejores diseños de interior.

Comunión geológico-artística.

Hadid, reconocida internacionalmente como una de las arquitectas trascendentales del panorama actual, ha trabajado en esta colección junto con su colaborador Patrick Schumacher. Ambos, han conjugado y armonizado su interés en la interfaz entre geología, paisaje y arquitectura, para dar como fruto formas imprevistas.

La fluidez es preponderante, así como se revela en toda la obra civil de la reconocida arquitecta. Diseños transversales que la han elevado a la categoría de adalid del diseño de vanguardia, aspiracional en el ámbito innovador y tecnológico, y una gran urbanista.

Como resultado fiel a su lenguaje y razonamiento arquitectónico, todos y cada uno de sus diseños, todas y cada una de sus obras llevadas a cabalidad. Diseños civiles y de interiores, que inevitablemente la encumbrarán como a una musa para profesionales de todo el orbe, presentes y futuros.

Hijo del famoso joyero y fundador de Tiffany & Co., estudió arte para colmar sus inquietudes vocacionales de convertirse en artista. Su exploración dentro del campo de los vitrales, fue su pasión durante toda su vida, llegando incluso a fabricar su propio vidrio. Tiffany fascinó con su técnica y sus diseños vegetales, religiosos o los ocasos del fin del día.

El diseñador, incursionó grácilmente en las artes decorativas, volcándose en la creación y diseño de elementos dispensadores de luz artificial; las lámparas, a las cuales impuso el color vibrante y el juego libre de líneas.

Iluminaron con sus suculentos motivos espacios exclusivos, llegando a formar parte de exclusivas colecciones decorativas de presidentes, aristócratas e incluso de la Reina Victoria de Inglaterra. Sin embargo, su principal destino fue la rica burguesía financiera e industrial muy demandante de estos objetos-joya.

Se estima que el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, alberga en sus fondos la colección más completa de obras de Louis C. Tiffany. Un ejemplo de ello, es el bello y sutil vitral “Otoño”.

Pongámonos en situación, el Modernismo, también denominado Art Nouveau, hace referencia a la corriente de renovación artística que en la belle époque, es decir, desde finales del siglo XIX hasta principios del XX, nació con el fundamento principal de crear un movimiento cultural de índole europea nuevo, fresco y libre de tradicionalismo.

En este contexto, Tiffany desarrolló su carrera como diseñador industrial en el ámbito artístico, a través de vitrales de alto contenido modernista. Así, logró conjugar creaciones inspiradas en la naturaleza, con la innovación tecnológica fruto de la revolución industrial, y el invento por parte de Thomas Edison de la bombilla eléctrica.

El Modernismo fue transgresor y rupturista con los lenguajes clásicos del momento. Lejos quedaron las influencias tradicionales academicistas, impresionistas o realistas. La nueva estética superó los cánones establecidos y Tiffany supo sacarle el máximo provecho con sus lámparas de metal y cristal.

Progreso, futuro e innovación, fueron elementos sin los cuales no se entiende el nuevo lenguaje estético del Art Nouveau. Ruptura con el pasado, el futuro entendido como un reto, un desafío donde se erigen nuevas normas y pautas estilísticas.

El nuevo siglo se esperaba con entusiasmo, y el incipiente estilo se internacionalizó. Se impuso en todos los dominios del arte y el diseño, creando atmósferas decorativas de gran exuberancia, y en comunión con la naturaleza.

Tiffany supo interpretar la emergente corriente modernista. Desarrolló interesantes trabajos con motivos florales, fauna exótica como pavos reales, y colores de ensoñación.

Popularizó sus fabulosas lámparas acuñadas como Modelo Tiffany, logró internacionalizarlas e incorporarlas en un mercado ansioso de nuevas formas de expresión en sus ambientes domésticos.

Elegantes curvas y delicados ritmos lineales colman las tulipas. Aúnan arte e industria, para ofrecer a sus selectos clientes productos bellos, fabricados con materiales costosos y una técnica artesanal.

Louis C. Tiffany, armonizó la flexibilidad de las líneas y la suntuosidad, con propósito decorativo. Los vidrios coloreados entendidos con absoluta libertad creativa, son el sustento ornamental de estos objetos mobiliarios.

Los viajes fueron muy influyentes en sus trabajos, especialmente cuando descubrió el vidrio medieval que iluminó iglesias en Francia desde el siglo XII, en tiempos del Románico y más tarde durante el Gótico. Supo articular su interés en el vidrio trabajado, con el diseño de interiores, logrando difundir y adscribir las artes decorativas en la categoría de bellas artes.

El ingenio de Tiffany y sus inquietudes artísticas, desembocaron en el desarrollo de la técnica de “lámina de cobre”. Esta, manipulada adecuadamente, haría posible un detallismo de gran delicadeza, desconocido hasta el momento.

Su fama se consolidó, cuando en 1882 el entonces presidente de los Estados Unidos, Chester A. Arthur, le encomendó la decoración de la Casa Blanca. Realizó sutiles y exquisitos vitrales, e incorporó vidrios opalescentes Tiffany a accesorios y lámparas de gas.

Posteriormente, el presidente Roosevelt realizó cambios estilísticos en la Casa Blanca, imponiendo el estilo Federal, en detrimento del trabajo de Tiffany que fue depuesto en su mayoría.

En 1885, el diseñador fundó su propia fábrica la Tiffany Glass Company, que más tarde se convirtió en la Tiffany Studios. Fue a partir de entonces que se consolidó en el mercado internacional, obteniendo un gran reconocimiento dentro del campo de las artes decorativas. Su seña de identidad gravitaba en su vidrio, diferente y genuino, de colorido tornasolado y vigoroso, denominado Favrile.

Para ello, utilizó el vidrio de la variedad opalina, cuya característica principal es su opalescencia, es decir, un tipo de vidrio semitraslúcido que se presenta en vibrantes colores; rosa, amarillo, azul, negro, blanco…

Además de producir principalmente vitrales y lámparas, la Tiffany Studios también revolucionó con una línea completa de accesorios y objetos decorativos de interiores.

Las lámparas caracterizadas por bases de metal, generalmente bronce, fueron producidas entre los años 1885 y 1920, decoradas con vitrales únicos y de factura excelente. Su popularidad disminuyó en el primer tercio del siglo XX, dado que los gustos de la época se orientaban hacia nuevos estilos. Sin embargo, a partir de los 60 las Tiffany volvieron a recuperar su esplendor, suscitando el interés de coleccionistas y museos.

En la actualidad, el valor de mercado de una lámpara Tiffany oscila alrededor de los dos millones de dólares, no obstante, se pueden encontrar fácilmente imitaciones de diferentes categorías, dónde las mejores, a su vez, son imitadas por modelos económicamente más asequibles.

Yamagata, se embarcó en este original proyecto que denominó Earthly Paradise. Inicialmente, se asesoró con técnicos automotrices que se encargaron de localizar los vehículos deseados. Una vez los consiguió, empeño que le llevó años de recopilación, el artista precisó de un enfoque multidisciplinar, además de un colectivo especializado para la factura de estos lienzos sobre ruedas.

Los diseños de vegetación tropical, son preciosistas y fueron realizados con gran detallismo y elegancia. Capós, puertas, yantas o parachoques, sufrieron la transformación artística para convertirse en verdaderas obras de arte.

Fantasía, arte y visión científica.

Hiro Yamagata, indaga en la vertiente científica para llevar a cabalidad su proyecto. Sus trabajos se insertan en un estadio de fantasía, donde el aspecto onírico es su principal componente.

Colores vivos y vibrantes conforman el Paraíso Terrenal de estos clásicos de ensueño. Yamagata rechaza el vacío, el horror vacui es crucial en las espesas junglas tropicales. Parece que los monzones, han retomado sus ciclos húmedos sobre estos vergeles rodantes, y como respuesta; mariposas, rosas multicolores, girasoles, amapolas o violetas.

Delfines danzan en los océanos, grandes espesuras amazónicas, frondosos jardines de enormes hojas, tan verdes como un trigal tocado por el matutino rocío. La forma final de estas restauraciones desemboca en fastuosos automóviles, muy demandados por coleccionistas.

En muchos de los casos, los Mercedes fueron rescatados de la chatarra. Sin embargo, el tiempo futuro ha jugado a su favor. El quirófano de Yamagata se ha encargado de la metamorfosis, haciendo posible que algunas de las grandes casas de subastas internacionales, tengan en sus catálogos estas joyas estivales.

Flower Power, color, motor y colección.

Es el caso de RM Sotheby, que en 2016 sacó a subasta en Monterey, California, el exclusivo Mercedes “Flower Power” perteneciente a la serie de Earthly Paradise, con motivo del Festival de Pebble Beach. Un collage primaveral, que no escatima en presentar grandes formas florales, o lepidópteros de alas magestuosas y ornamentadas. Un soporte inusual para unas piezas dignas de museos.

No escasea ningún color del arco iris, tal y como es habitual en las obras pictóricas del artista nipón. Pop Art y lenguaje Naíf en composiciones ingenuas, planas y cargadas de colorido, son su seña identitaria.

Mercedes 220 clase A Cabriolet, fue el modelo elegido para fusionar en sus chasis, símbolos que evocan a la más pura naturaleza, y que en su corazón albergan poderosos motores de combustión invasivos con el medio ambiente.

La colección Earthly Paradise, recorrió museos internacionales en Asia, Europa y América, entre 1995 y 1997. El modelo “Flower Power” fue adquirido por el coleccionista de Los Ángeles, Vicente Mandzak. Más tarde, pasó a formar parte de RM Sotheby.

Restauraciones mágicas a través de la pintura, seductoras formas y lenguajes de gran belleza cromática. Fragilidad y pureza de gran lirismo, demuestran el trabajo exhaustivo y científico que Hiro Yamagata, un resucitador de autos clásicos adscritos a la contemporaneidad.

Arte experimental y el retoño de los descapotables.

El artista, enmarca sus obras dentro de la versatilidad y del trabajo experimental. Conjuga arte y ciencia, arte y vida, su fascinación por la naturaleza y la relación del hombre con el medio que lo rodea. Parece añorar paisajes extintos, jardines agotados y mares fecundos, que vivifica creando un puente motorizado entre el mundo onírico y los elegantes descapotables renacidos.

Yamagata, estampó entes frágiles y evocadores que producen calidez y luz. Materia orgánica transferida al metal, impresionando a sus espectadores y transportándolos a un viaje que remite al anhelado paraíso terrenal. Un “Jardín de las delicias” motorizado.

Los colores empleados para estas intervenciones, parecen casi irreales. Los efectos, trabajados minuciosamente, reflejan un extremado atildamiento de estilo. Olas, pétalos, hojas y bellos insectos alados que alardean de exuberancia y sofisticación.

La relación del artista con la tecnología es un referente en sus obras, y qué duda cabe, que estos prístinos vehículos fueron en su momento innovadoras máquinas de velocidad. Mercedes-Benz, fabricó estas lujosas obras de la ingeniería automotriz, haciendo eco a su eslogan “The best or nothing”. Y así ha correspondido Yamagata, con intervenciones artísticas que han incluido las selectas máquinas en los más exclusivos templos del arte.

Viejos vehículos, nuevos soportes.

Los Mercedes, han servido para incursionar en una nueva dimensión en el ámbito de los soportes pictóricos. Los tradicionales padecen de agotamiento, se han quedado anquilosados y relegados en una pantalla primitiva.

El binomio naturaleza & máquina, polos opuestos que incursionan en los límites de lo material y lo orgánico. Un lienzo inerte para visibilizar una revelación plena de vida, eterna y placentera al ojo humano. Existencia alegre y vigorosa, existencia banal en jardines de pasión y gloria, existencia sobre ruedas, velocidad, lujo y arte de la mano del extraordinario Hiro Yamagata.

103, número mágico. Ciento tres, colosales palabras. Nicanor Parra, chileno, denominado el antipoeta, un personaje genuino en el ámbito de las letras, el arte, las matemáticas, la física…en definitiva, diversas máscaras y múltiples facetas para todo aquello que toca el mundo.

Su obra y carisma son sinónimos de inherencia multidisciplinar. Genialidad que eyectó el sur del mundo, allí en aquel lugar caído de los mapas, de belleza innombrable y tierras batidas por sus seísmos.

Nacido en una cuna humilde de bienes y rica en talento, se fue con 103 años. Todo en él tenía cabida dichosa en los umbrales del ingenio, el humor, el arte, la literatura o la ciencia. Su familia, los Parra, un vivero de artistas y músicos de gran arraigo en la cultura chilena.

Poeta de índole natural, colmado de sentido y sentimientos. Punto y contrapunto en sus letras, que lo catapultaron a la creación de un nuevo género literario; la antipoesía.

El antipoeta, antagonista de la forma establecida.

Nicanor Parra, ha tenido una enorme influencia a través de su obra en Hispanoamérica. Considerado uno de los notables poetas de Occidente, y por ello Premio Nacional de Literatura en 1969, Premio Reina Sofía 2001, Premio Miguel de Cervantes 2011 y candidato en varias ocasiones al Premio Nobel de Literatura. 

La genialidad de su mente multifacética, guio su pluma hacia la creación de poemas rupturistas y mordaces, produciendo así una profunda incisión en la poesía hispanoamericana del momento.

La obra de este “raro inventor”, se ha traducido en numerosos idiomas, inglés, ruso, finlandés, sueco, portugués o checo, entre otros. Parra, desafió los cánones establecidos en métrica y temática. Escribió:

“La poesía chilena se endecasilabó

¿Quién la desendecasilabará?

El gran desendecasilabador

Nicanor Parra”

Y llegó Nicanor…

Según sus propias palabras: “Durante medio siglo la poesía fue el paraíso del tonto solemne hasta que vine yo y me instalé con mi montaña rusa”. Así, define el golpe que infringió en las letras líricas del Chile de su tiempo.

Aquel muchacho de familia campesina, golpeó a los pesos pesados con un talante curioso y contestatario. Subvirtió el poema que yacía anquilosado en el imaginario cultural chileno, y fundó el “antipoema”.

Su búsqueda en los ámbitos artísticos y de las letras nunca cesó, dado que estaba rodeado de grandes artistas como su hermana Violeta, quien antes de morir nos dejó el imponente himno “Gracias a la vida”, e intelectuales.

Ciencia + Letras= Nicanor Parra.

Nicanor, matemático y físico, exploró los límites culturales de su entorno, para concluir en la posibilidad de nuevos lenguajes, formas estilísticas y de arte contemporáneo. Antiversos, nacidos fruto del consenso entre el conocimiento de diversas disciplinas, su curiosidad irreverente y grandilocuente intelecto.

El antipoeta, estudió cosmología en la Universidad de Oxford. En EEUU realizó un posgrado en mecánica avanzada; se especializó en físico especialista en indeterminación y relatividad. También se adentró en el mundo del psicoanálisis. 103 hombres, 103 disciplinas, 103 años de un genio genial.

Fue profesor de matemáticas y física. Desde 1948 y durante veinte años, ejerció como director interino de la Escuela de Ingeniería de la Universidad de Chile.

Parra, conjugó de forma soberbia ciencia y letras. Sus ideas inspiradas tanto en sus pilares académicos como en sus experiencias vitales, se plasmaron con orden y rigor en versículos de tradición.

Surrealismo realista, cosmología popular, tradición cuántica…él aunó lo imposible para acercar sus palabras a pobres y ricos; liberales y conservadores; izquierdistas y derechistas; hombres y mujeres; jóvenes y mayores; a todos cuantos caben en una calle.

Influenciado e influyente.

Un literato de estética muy cuidada y personal. Influenciado por la obra de Federico García Lorca entre otros, incorporó en su primera publicación “Cancionero sin nombre” (1935), la poesía narrativa, la figura métrica del romance y la voz poética como protagonista de sus versos. Ávido lector y entusiasta de la obra de Sheakespeare, Walt Whitman o John Keats.

Nicanor Parra, armonizó con el género romance, gracias a la tradición campesina de su infancia. Desde esta experiencia, no dejó de buscar nuevos horizontes lingüísticos, hecho que lo llevó a conectar con la cultura norteamericana y europea, gracias a becas de especialización.

Potenció su labor poética, realizando obras como “Poemas y antipoemas”, obra con la que diseccionó la poesía hispanohablante del momento, y con la que posicionó el modelo antipoético. Parra, colmó sus versos de ironía, sorna y espacios domésticos. Un lenguaje cotidiano y directo, habla de lo popular, el arraigo a la tierra y los afectos, desde un cristal transparente, que no deja lugar a la incomprensión.

Universo popular, mensajes domésticos.

Literatura cargada de parodias, lugares humildes envueltos en mantos regios, que Nicanor supo dinamizar y plasmar en sus composiciones antipoéticas.

103 años de evolución personal, artística y literaria. 103 ventanas con vistas a diversos horizontes. 103 antitodo. Sometió su vida a los mismos cánones que sus palabras; sencillez, tradición, humor, intelectualidad, curiosidad, dinamismo, familia.

Poema de Nicanor dedicado a su querida hermana Violeta Parra, tras su suicidio.

La extensa trayectoria de Nicanor Parra, lo posicionó como uno de los protagonistas literarios chilenos desde la segunda mitad del siglo XX. Un literato anarquista, cuya poesía navega entre la dura crítica política y anticlerical, de marcado sentido del humor, y la democratización del intelecto a través de sus versos.

Acercó la poesía a todos los estratos sociales, gracias a su lenguaje doméstico y repleto de modismos pertenecientes a la cultura popular. Su obra es un arte callejero, cargado de sarcasmo ácido y criticón, solidario con su gente e intelectualizado por su dictadura del saber.

Mucho más que antipoesía.

Es interesante comentar, que además de su obra literaria, también realizó instalaciones artísticas adscritas a la palabra, y como no a la crítica. Un ejemplo de ello fue la exposición “Obras Públicas” en 2006, en la que muestra en la instalación “El pago de Chile”, a todos los presidentes de Chile colgados con una cuerda al cuello.

Este artículo, quiere homenajear a un genio único en su especie, a su manera y forma antipoética, a sus versos aturdidos y despiadados. Quiere invitar a su lectura, porque sin duda alguna, Nicanor Parra, ha sido un “raro invento” de la naturaleza.

Es una vía ancha y limpia, cuyos edificios de bello estilo burgués, presentan arquitecturas sobrias y dignas de una ciudad como Roma. Y allí, frente a un estanco, se encuentra la escultura orgánica, urbana y apacible, del joven italiano Andrea Gandini.

El escultor ha plasmado su huella en un árbol yermo, sin copa ni hojas, sin ramajes que lo abriguen del frío invierno, y de la cálida brisa estival. Ya solo queda su tibia, esculpida por el artista que lo ha transformado. Le ha devuelto la vida a golpe de cincel; su tronco inanimado e invisible, ha renacido, y ahora yace en la acera viendo la vida pasar.

Renacer después de la talla.

Andrea Gandini, de veinte años, resucita ausentes tallos arbóreos, cuyas raíces ya no se apresuran a buscar el agua. Los humedales bajo sus pies, fluyen hacia otros árboles plenos y vigorosos.

Sin embargo, el artista revierte la situación inerte del tronco mutilado. Una resurrección escultórica, que no pasa desapercibida para los viandantes. Un alto en el camino, es necesario para fotografiar los relieves de madera, los espectadores consagran la obra al dedicarle su minuto de contemplación.

Madera muerta; sin sombrero que la proteja, sin frutos, sin nidos, sin pájaros que pernocten, ha sido esculpida y devuelta a la vida. Un halo de arte es su alma. Unas manos creadoras le han dado ojos y olfato. Gandini, ha sido muy generoso al dotar de ánima al infértil árbol.

El tronco, mermado de su cuerpo y abandonado a su suerte en la ciudad, es mimado por el escultor que lo aferra a su espíritu, para entregarle la supervivencia merecida, al que una vez nos oxigenó los cielos.

Una metamorfosis inesperada.

Escultura orgánica, rica en relieves curvos y angulosos. Vida reciclada a través del arte, que se presenta firme, en un entorno contaminado por la prisa y el ruido. Sordo permanece el tronco a quienes un día le cortaron su torso.

Nunca comprendió su final cercenado. Su dolencia gangrenó su savia, y las arterias se opacaron de oscuridad, hasta que llegó Andrea con sus herramientas de cincelar, y su impulso resucitador para iniciar la metamorfosis.

La talla en madera, es una actividad muy antigua, que el escultor italiano ha actualizado en su arte urbano y espontáneo. Sus relieves nos muestran una iconografía concreta de gran simbolismo.

La naturaleza es el soporte de estas obras esculpidas a pie de calle, mientras un público curioso observa al artista trabajar. Un arte artesano llevado a las esferas vanguardistas de la ciudad eterna.

Arte callejero, arte resucitador.

Sus siete colinas, protagonistas del componente artístico que aplica Gandini sobre un tronco finado y silencioso. El tallista-artesano ha vertido su talento creativo, para transformar el cadáver de palo en una obra de arte, a través de una depurada técnica y de su instinto vivificante.

La materia prima, condenada a carbón, ha respondido al esfuerzo y mecánica del tallista, logrando un resultado complaciente para sus espectadores. El arte callejero de los árboles revividos, se interrelaciona con la vida cotidiana de una sociedad urbana, la romana, acostumbrada al arte de ricos materiales y vistosas dimensiones.

Gandini, otorga otra sinergia a los espacios baldíos, les entrega psique, sensibilidad y entrañas a sus representaciones. Unos simples troncos de madera inservible, transmutan con el golpeteo del artista.

 Árboles inmortales por la gracia de la talla, manifiestan desde su pedestal arraigado, que sobreviven. Está vigente en los avatares cotidianos, y en la furia de la celeridad típicamente urbanita.

Arte contemporáneo en un soporte atemporal.

Una escultura orgánica, superviviente y presente, reposa tranquilamente ahuyentando fuegos y aguas que la atormenten. Mientras tanto, el artista contemporáneo, graba sobre la superficie marchita, sus composiciones que manifiestan ideas cargadas de significado y significante, abierto a las diversas lecturas de sus observadores.

Un tronco labrado, solitario, en la Vía Cola di Rienzo, aproxima el arte al ciudadano de a pie. No hay que pagar entrada para su contemplación, solo hay que tener un mínimo de sensibilidad y la obra te frena. No puedes avanzar la calle sin pararte y observar.

Street Art y Gandini, otro modo de reciclar lo que para muchos resulta inservible, inútil o un mero deshecho. Sus tallas se pueden encontrar en diferentes puntos de Roma, y en cada una de ellas, el artista evoca la fuerza de la vida y su perpetuación después del presente.

Sí, Arte con mayúscula que en la vida cotidiana fluye sin ser visto, aromas de piedra en las pinceladas, en la naturaleza exacta, en la armonía musicalizada.

Tres tiempos en una idea. Frisos para la eternidad.

Un friso antiguo superpuesto en la literatura de los vivos, de los presentes y los futuros. Un friso para adornar fachadas de seda, de mármol, de polvo mágico intrínseco a su palpitar.

El tiempo decide sobre el Arte, el tiempo lo dice todo. Amansa a los tercos que no lo perciben. El tiempo inocula el Arte en los sentidos de los sensibles, y en los objetos que se muestran vívidos como una bandera al viento, con sus matemáticas áureas que nos miran, nos incitan, nos remueven…el Arte para subsistir.

Capricho de Apolo.

Cómo volar sin ver, oír, palpar; comprender la belleza oculta de los sentimientos expresados en una obra de Arte fruto del capricho de Apolo.

Arte para crecer en un nicho de sabiduría y comprender los hechos de los maestros a través de su cincel. Mañana, escrito hace siglos en los renacentistas rostros de Venus.

¡Ohhh! ¡Venus nacida del mar, del horizonte que nunca llega, de ese fondo marino de estrellas y almas de sal!

Se puede comprar Arte, pero no la sensibilidad, se puede robar Arte, pero no su alma, se puede regalar Arte, pero nunca su estigma de flor en primavera, nunca el armazón de cristal que envuelve su magia.

Sálvate del purgatorio de los ignorantes.

Si no lo entiendes no lo ves, si no lo oyes no lo aprecias, si no te acercas no te salva del purgatorio de los profanos.

¿Cómo vivir sin Arte? Busca cabellos en flor, retoños de almendro rosados con el primer sol, aguza tu vista, que tus manos palpen el frío calizo del sosegado umbral del templo.

Bronce impenetrable, alejado de habladurías y culpables, estatua de sal por mirar atrás, derrumbada por seísmo de lluvia, de la tierra mojada que la engulle, del viento que aleja su cuerpo desmembrado a los desiertos de la ignorancia.

No temas mirar, no temas ver lo que hay detrás del Arte, busca y encontrarás, remueve tu conciencia con olas de saber. Conoce al artista para entender su sentir, su pesar, sus inquietudes, conoce a Goya ensordecido por la enfermedad, bendecido con los susurros del Arte.

Arte de corazón caliente.

Terapia para el espíritu cuando estás triste, terapia para las fisuras del corazón, terapia para escalar una montaña inalcanzable en el mundo real, pero encumbrada en el Arte.

Existencialismo en lienzos y fuentes. Esculturas frías por la brisa de la sierra, de corazón caliente como león de sabana.

El artista, víctima de los sentimientos, vuela alto desde el abismo profundo del genio.

Un damnificado reincidente en el mundo romántico de los sentidos; inquietudes creadas. Corpóreos recién nacidos en lienzos de lino, en roca vetada, en muros desangelados bajo el manto de la noche.

Espectador, audaz en un intento por comprender, curioso como un felino, te acercas, observas, te embriagas de la emoción del descubrimiento, ¿puedes vivir sin Arte?

Pintor, muralista, escultor y diseñador que marca su huella a través de colores vivos y planos, Okuda crea realismos mágicos repletos de fantasía y sorpresa. No pasan desapercibidos al espectador sus paisajes idílicos transformados en polígonos divididos, coloristas y simétricos.

El artista mantiene una clara relación imaginaria con su obra, a la que dota de una singular factura, revolucionaria y cosmopolita. Geometría multicolor, envuelve espacios urbanos con sus grandes formatos entusiastas de la visibilidad y el capricho.

Color urbano, color pop.

La obra de Okuda, se adscribe al surrealismo pop, influenciada por el street art.  Los estampados multicolores visten figuras sin cabeza, animales antropomórficos, o espacios infinitos. Refleja retazos de la filosofía existencialista, que ahonda en la estrecha y tóxica relación entre la modernidad y el origen del hombre.

Representaciones simbólicas que remiten al anticapitalismo y a la hipocresía de la sociedad actual, quien se representa a sí misma a través de imágenes que imitan una felicidad fingida y un postureo enajenado del ser.

El arte de Okuda es un arte pop que da color a la moda, al cine y a la multiculturalidad, vista en muchas ocasiones a través del cristal de grandes obras clásicas. Un ejemplo de ello es su peculiar visión del “Jardín de las delicias” de El Bosco.

Arquitectura y vanguardia en sus coloridas esculturas rompen con el pasado mostrando al espectador una postura de carácter experimental, de claro contenido artístico. Gran escenografía y teatralidad, son los flujos que envuelven las exentas formas tridimensionales o no de Okuda.

Arte biológico y esquemático.

Su percepción biológica del arte se conjuga con la interpenetración de formas geométricas, en cuerpos neoplasticistas arropados con soluciones de formas y color. El artista combina íntimamente lógica y racionalidad, con figuras esquemáticas repletas de una acción ralentizada y plana.

Okuda ha desarrollado con su obra una expresividad que se identifica con el valor plástico de la forma orgánica. Un arte formalista de orientación constructiva que estimula la metamorfosis del color real en otro mágico.

Emplea un lenguaje explícito con metáforas muy potentes de claro signo social. También cabe destacar el horror vacui en todas sus composiciones, en las que resulta imposible incluir ni un soplo de aire.

Arte conceptual en las calles, atiborrado de matices y tonos de gran brillantez, constituyendo una realidad “surrealista”, con un estilo depurado y desnudo, que disimula, o quizás enfatiza, el elemento retórico de la obra.

Atracción racionalista y subordinada.

San Miguel, por la singularidad de sus trabajos y la consecuencia de su tridimensionalidad, se inscribe en el espacio real.  Crea así, una relación entre la propia obra y el observador, de gran atracción, derivada por ese orden estructural y racionalista, que subordina las partes al conjunto total.

Emplea elementos que parecen prefabricados, incluso mecanizados, para representar su fascinación geométrica en espacios colorísticos e incluso decorativos. Una visión de gran misticismo matemático.

El artista, con una amplia paleta de color, crea un elemento en una esquina, que más tarde equilibra en otra, buscando constantemente el balance idóneo. Y como consecuencia, esos aspectos mágicos a sus trabajos.

Sus pinturas, al igual que sus esculturas, parecen calar en su interior a través de una capa mórbida de movimiento estructurado, para ensalzar las formas y los temas representados, con gran originalidad y transgresión.

Equilibrio vanguardista.

Abstracción colorista, con un juego dinámico de efectos ópticos, cubre espacios urbanos vistiéndolos de estilo y vanguardia. La atmósfera transmitida al transeúnte le impregna de sensaciones visuales de orden y equilibrio.

Las impresiones multicolores se amalgaman con cuerpos grises en una clara identidad callejera. En sus inicios, Okuda San Miguel pintaba fábricas abandonadas y vías férreas sin norte, en su Santander natal, junto con un grupo de amigos, autodenominados los Jungle Jonky.

En la actualidad, sus trabajos se dispersan entre temáticas tan variadas como el infinito, la falsa libertad del capitalismo, o el universo, entre otros asuntos. Por lo que podemos decir, que San Miguel es un artista que plasma su intelectualidad teórica en armazones de color y formas jerarquizadas.

Una huella inconfundible.

Su evolución lenta pero constante ha llevado a Okuda a forjar una huella distintiva, que tiene como vehículo una iconografía absolutamente reconocible. Su arte es una evolución de él mismo, de su propia persona, y de su manera de sentir el entorno social que lo rodea.

Sus composiciones surrealistas son inclusivas con la realidad del mundo actual, una realidad contemporánea que merece ser representada desde distintos prismas, para poder verla mejor.

El color del color del color, hacia el color, estructuras geométricas y simetrías estructuradas, esto es Okuda San Miguel.

La ciudad otorga al artista callejero un espacio para su performance, y un contexto social comunicativo en el que el discurso del autor se encumbra con alas libertinas. Un arte por y para la sociedad, un arte visibilizado y emergente, en definitiva, un arte al alcance de todos.

El paisaje es intervenido por artistas como Sixe Paredes o SIXEART

Sergio Hidalgo Paredes (Barcelona 1975), alias Sixe Paredes o SIXEART, se inició en la década de los 80 con el graffiti. En los 90 experimentó en los ámbitos de la escultura y la pintura, así como en la realización de instalaciones, llegando a nuestros días como un referente español del arte urbano.

SIXEART GLOBALIZADO.

Sus trabajos han visto la luz internacionalmente, en espacios urbanos, galerías y organismos de primer orden como la Tate Modern de Londres. Sixeart es un artista autodidacta apasionado por el arte en entornos urbanos, que, además, forma parte del colectivo de artistas «El Equipo Plástico» (www.equipoplastico.com) conformado por él, Nuria Mora, Eltono y Nano4814.

Respecto a su obra, Sixe Paredes se recrea en la interacción entre obra y contexto urbano. Manifiesta sus ideas mediante la invasión o la interrupción, estableciendo una conexión fuerte entre sociedad, arraigo y espacio público.

El color preside su obra. Sus tonalidades fluyen por intricadas geometrías, elementos numéricos laberínticos, y la inquietud del artista por lenguajes y cosmologías ancestrales, relacionados con la antropología precolombina.

SIXEART DOBLEGA EL AYER A UN HOY DE VANGUARDIA.

Imperan pasado y futuro en sus trazos radiantes, su obra experimenta la conjunción de artesanía con técnicas de vanguardia. Sixeart entrega así en cada trabajo una inyección experimental y vital de sus viajes y contacto con otras culturas y sociedades.

Grandes formatos, iluminados y jubilosos conforman fachadas y espacios que antes de Sixeart no conocían la emoción del encuentro. Una reunión social y artística que rinde homenaje a sus espectadores, impidiendo la indiferencia por lo común. Sus trabajos remarcan solidaridad, un atributo muy carente en nuestro tiempo, que sin embargo se aprecia en sus creaciones.

SIXEART Y EL ARTE DEL MUTUALISMO.

Otro concepto que cabe destacar en su obra es el de mutualismo, qué si bien en el mundo animal es un recurso intrínseco en muchas especies para su supervivencia, para Sixeart también lo es. Me refiero al mutualismo existente entre el artista y el espacio urbano, ambos beneficiados el uno del otro, y por ende con un resultado que se arroja a un arte eminentemente social.

La obra de Sixeart es muy terrenal, en ella incluye elementos y temáticas heterogéneas como la familia, animales, niños, erotismo, siempre desde una perspectiva emocional positiva. El artista irradia optimismo en sus pinceladas y trazos. Los sprays vociferan color en las paredes dejando su halo suspendido en el aire.

SIXEART Y ARTE PORTÁTIL.

El autor se define como un autodidacta, que partiendo de su intuición positiva frente a la vida en comunión con la base grafitera, le ha llevado a experimentar además en el ámbito más íntimo del lienzo.

Telas para interiores, que recrean las inercias artísticas y los sentimientos de orden y simetría. Sixeart es un artista purista del control en sus representaciones, qué si bien no las proyecta hacia un final certero, tampoco va a la deriva. Se deja llevar por los requerimientos de la propia obra.

Crea esculturas con materiales como el alambre, que también se muestran como mallas de simetría. Objetos-mueble que a través de sus relieves emanan orden y control, positivismo y fascinación por el equilibrio.

KEYWORDS = SIXEARTLAND

Una idea de Keywords sobre Sixeart e interpretar su obra serían: Ordenación, colocación, distribución, configuración, situación, disposición, organización, coordinación, sistema, método, estructura, paz, disciplina, equilibrio, balance.

Y todas estas Keywords se cristalizan a través de circuitos visibles que conectan unos elementos con otros. Una red de trayectoria cerrada que estanca la obra en un mundo subjetivo y racional, antagonismos permitidos en sus circuitos lineales distribuidores de figuras superpuestas en diferentes dimensiones de capas.

Sixeart se muestra exigente con su obra, la satisfacción de lograr un trabajo óptimo admite el no desprendimiento de ellas si no son recibidas con entusiasmo y reconocimiento.

Sixe Paredes

El Informalismo se agotó, y en los 60 Bacon reinventó el lenguaje de la figuración, la Neofiguración. El artista que comenzó su actividad como decorador de interiores, decidió en los 30 dedicarse al arte pictórico de forma autodidacta, llegando a 1947 dedicándose a esta disciplina en plenitud.

Sus aportaciones anteriores al drástico y exitoso cambio de rumbo neofigurativo, fue un período con interesantes aportaciones, sin embargo, en los 60 alcanzó la revolución figurativa. Bacon se nutría de fotografías y obras de arte del pasado, especialmente admirador de Velázquez, Goya y Rembrandt. Imágenes que en muchos de los casos siempre permanecieron en su estudio, en el suelo y/o amontonadas como en una instalación de povera.

La figuración de Francis Bacon fue inédita en su momento, forma deforme, figura desfigurada, angustia y catarsis pictórico. El individuo representado está sumergido en el desgarro de la sociedad contemporánea, una visión muy crítica de la actualidad que vivió el artista.

Sus composiciones encierran a los personajes entre paredes frías y desamparadas. Los aprisiona entre la incertidumbre y la angustia, y es así como los deforma. Deconstruye sus formas creando imágenes de gran impacto visual por su descarnada soledad e inseguridad.

Bacon mostró al ser agonizando, destruido en su propio habitáculo, sin esperanza ni nadie que se apiade de su alma. Las figuraciones que apreciamos en sus obras, nos impactan por su gravedad. El artista ha erosionado las figuras hasta sumirlas en la más profunda decadencia.

Desde “El grito de Munch” no se había expresado pictóricamente la angustia y la soledad, desde una perspectiva tan cruda y esperpéntica. La metamorfosis de la forma que no llega a convertirse en mariposa, sino que por el contrario se transforma en gusano con piernas, brazos y cabeza. Un gusano afligido sumergido en el desconsuelo y la agonía.

Trozos de carne muerta, cruda como el temor, sonrosada como la ansiedad de un mortal asustado. Individuos transformados hasta someterlos a la desfiguración de su pena. Bacon fue pionero en la representación del desequilibrio, proyectándolo en escenarios de inquietante plasticidad.

La disposición de las figuras en los lienzos, la transfiguración del agobio y la amargura, o la manera en que trató los rostros, fueron plasmados con una pintura dinámica y expresiva. De trazo ágil pero gentil, subrayó las líneas de sus figuras para mostrar al espectador que estas existían previamente a la mutación.

Una de sus grandes obras, fue la inspirada en el “Papa Inocencio X” de Velázquez. Imagen que deformó y transmutó hasta convertirla en una escena de ciencia ficción, casi extraída de un tráiler al más puro estilo de Álex de la Iglesia.

Su obra no pasó desapercibida ni siquiera a la entonces Primera Ministra británica Margaret Thatcher, quien comentó: “El hombre que pinta esos cuadros horribles”. Así, que Francis Bacon tuvo tantos entusiastas como detractores, y es que su obra se alimentaba de la atmósfera gaseosa de lo oscuro y malicioso del alma humana.

Cuerpos desmembrados, mutilados y expuestos como en un escaparate de carnicería. La guerra, su experiencia personal de ser rechazado en su propia familia o su tendencia a la autodestrucción, han alimentado sus telas. Ha crucificado al hombre, ha sellado su huella con una lectura de la cotidianidad, pesimista y sucia.

La unidad de las obras de Bacon no carece de ambigüedad, percibida esta, cuando el espectador admira cualquiera de sus trabajos desde distintos ángulos. Su pincel ha resultado ser de los más emblemáticos y perturbadores del siglo XX.

El período tras la Segunda Guerra Mundial, fue caldo de cultivo de sus atormentadas y descompuestas composiciones. El ser humano ha perdido la razón, se ha convertido en un monstruo y ahora vive su propia deformidad.

Inicialmente, sus trabajos no obtuvieron una buena acogida, todo lo contrario, por lo que el pintor destruyó gran parte de su obra temprana. No obstante, en 1946 su reputación comenzó a eyectarse cuando el Museum of Modern Art de Nueva York, adquirió para sus fondos la obra “Pintura”, con factura del mismo año.

Francis Bacon, un artista existencialista que desmoronó la figura humana a través de metáforas espirituales, de gran carga emocional y sensitiva. No hay observador que no quede sorprendido por el salvajismo compositivo del autor. Arte, orden y azar, así se ve un Bacon.