a, consagrada al horror vacui del artista. Nada se escapa a su objetivo, cada gota de sudor de los comensales transmite al espectador el díscolo momento. Diversión y gula. Complicidad y colegueo de unos apóstoles domingueros son elementos plasmados en esta particular representación del sagrado momento.

Entre 1496 y 1497, Leonardo da Vinci ya tuvo su singular visión del momentazo en el que Jesús de Nazaret, se reunió por última vez con sus doce discípulos. En esa ocasión, el ágape de pan y vino, llenó la panza de unos barbudos hipsters propios de la época. Imagen, que se ha perpetuado hasta nuestros días, con las actualizaciones propias de la contemporaneidad, tal y como lo ha demostrado Marcos López.

Boludos son ahora los doce apóstoles, hostigados por el goce, el ansia y la banalidad de un encuentro cualquiera. Esta Última Cena, es tan copiosa y contundente que las carnes churrascadas gotean la carmesí esencia de sus arterias.

Ensaladas de guarnición, permanecen ignotas en insustanciales boles de plástico chino. Las morcillas negras y apretadas han tomado las riendas, ya no hay marcha atrás, ellas, ególatras del banquete. Los apóstoles de López, están tan ensimismados en su festín, que no dedican ni tan siquiera una fugaz mirada a su caudillo.

Cultura popular criolla & cultura sagrada.

Lenguaje Pop  para una imagen de la cultura popular cristiana que destaca un paisaje comestible oteado desde el prisma mundano del objetivo de su autor. Un crisol de color y contraste, destaca el momento relajado y disperso, de una docena de sagrados amigotes concentrados en sus apetitosos platos.

Un “padre” para todos, un vaso de cada padre. Sin ningún criterio protocolario, vino y cervezas yacen en frívolos recipientes. Latas parodiadas como insulsos residuos, cuchillos amenazantes para vacíos, bifes de chorizos y cómo no, para ese despatarrado ser finado, el cochinillo.

La muerte no parece acechar a los convidados, todo lo contrario, esta Santa Cena reivindica la fuerza de la vida. La energía vital en una composición teatral llena de Pop. López se adentra en un mundo dinámico que vira en torno a la comida, el vino, la cerveza y el campo.

Animales domesticados comen absortos en su momento trascendental. Animosos, cargados de vitalidad. Optimistas. Un mundo vivo, colmado de tonalidades y discípulos rollizos.

El artista se aleja del lenguaje elitista de las tradicionales Bellas Artes, y converge irónicamente entre lo kitsch y lo real. Apóstoles futboleros simbolizan la amistad. No se advierte un Judas Iscariote, pero quizás el propio Marcos López en el centro de la imagen representado como Jesús esté a punto de anunciar la traición.

Sin embargo, no parece que el encuentro social encierre alguna cuestión incómoda. La traición de uno de los apasionados comensales, no planea en esta versión de la Última Cena, más bien, es la última de una semana cualquiera que precederá a otras muchas.

Banquete surrealista de realidad y ficción.

Platón, en su obra literaria El Banquete, trató a través de este festín el tema del Amor como el Deseo de la Belleza. Amor que alcanza su mayor grado posible en Dios. Sin embargo, en la comilona de López, su líder es un maestro parrillero que trasmite un amor volcado en el compadreo, vehiculado por viandas y garrafas de vino. Su arenga parece ser «¡Vamos chicos, que no quede nada!».

Es el propio artista, el adalid de una junta de cuñados y compinches. Qué en un día dichoso de sol, dan la espalda a una idílica dehesa y se disponen abigarrados frente al objetivo. El resultado, una surrealista Última Cena, en la que se fusiona pintura y fotografía con colores intensos que no dejan lugar a dudas sobre el significado de su mensaje.

Marcos López titula su trabajo como “Surrealismo criollo”, y lo describe como un surrealismo de mala factura. En sus propias palabras: “Un surrealismo trasnochado que a la vez es otra forma de realismo”. En definitiva, crea composiciones de gran escenografía para situaciones domésticas, que impregna de apariencia casual para luego fotografiar.

Esta reinterpretación de “La ú ” de Da Vinci se llama “Asado en Mendiolaza”, una versión cargada de ironía, elementos criollos y guachos. Una lectura sudaca de un acontecimiento supuesto.

Hadid, ha legado nuevos lenguajes, formas y elementos en los que arte y arquitectura forman un tándem inherente. Ha diseñado la colección de baño Vitae para una marca reconocida a nivel internacional, bajo el amparo de un concepto revolucionario y realizada con magistral técnica en cerámica.

La arquitecta, ha referenciado su compromiso con la innovación, y nos ha entregado a los amantes del arte doméstico unas siluetas naturalistas y orgánicas, que guardan en su esencia el poder de sorprendernos.

Arte, arquitectura, sanitarios y ecología.

Un arte sanitario que además de aportar un diseño dinámico y ergonómico, apuesta por el cuidado del medio ambiente, así como por la sostenibilidad. En esta grácil colección, ha representado un vibrante núcleo de la expresión artística contemporánea.

Atrás quedaron los clásicos soportes del arte. Zaha Hadid nos ha entregado la oportunidad de disfrutar, a quienes se lo puedan permitir, de unas piezas de estar por casa que entregan elegancia y vitalidad. Agua que corre por sus arterias en todos los rangos kelvin.

En la grifería, se atisba un delfín de curvas aerodinámicas emergiendo del océano para ser tocado por los rayos de sol. La clave de su expresión nace de su relación con el agua. La poesía existente entre fluido y grifo, hace que estos elementos domésticos no pasen inadvertidos a ningún mortal.

Modernidad líquida, modernidad en estado puro, modernidad tangible y funcional. Líneas apaciguadas y contemporáneas de gran valor estético. Artificios sensoriales, que ocupan un lugar privilegiado en hogares y espacios colectivos. Son obras de arte artesanales, realizadas con la más alta tecnología. Otorgan resistencia, brillo y movimiento a unos elementos relegados tradicionalmente a su función, y no a su expresión.

Zaha Hadid: Lírica en el baño, poemas que emanan agua.

Depósitos líquidos dejan manar su preciado oro en estado puro, transparente, inodoro, incoloro e insípido para que llegue a nuestra piel como una etérea sensación. Un toque poético bañado por el diseño de Zaha Hadid, quien de forma inteligente y vanguardista ha renovado los cánones de la toilett.

Carácter conceptual en el arte doméstico, el baño visto como un espacio dedicado al deleite y al compromiso con la tecnología. El dinamismo del agua discurre por estas piezas icónicas adscritas al ámbito del diseño de interiores.

Una concepción capaz de conquistar al público más exigente, que ha logrado el galardón en la edición 2017 de los Premios A+Awards del portal Architizer, en la categoría de “Mejor Diseño de Baños y Cocinas”.

Vitae, ha sido la última colección que la diseñadora y arquitecta Zaha Hadid, nos ha legado a los amantes del arte y la arquitectura, cuya inspiración en el movimiento del agua ha desembocado en formas orgánicas en estado puro. Una colección que vibra y hace excepcional la experiencia en el baño.

A+Awards de Architizer, son unas prestigiosas condecoraciones del sector de la comunidad arquitectónica, que anualmente premian a los más notables proyectos de arquitectura, así como a los mejores diseños de interior.

Comunión geológico-artística.

Hadid, reconocida internacionalmente como una de las arquitectas trascendentales del panorama actual, ha trabajado en esta colección junto con su colaborador Patrick Schumacher. Ambos, han conjugado y armonizado su interés en la interfaz entre geología, paisaje y arquitectura, para dar como fruto formas imprevistas.

La fluidez es preponderante, así como se revela en toda la obra civil de la reconocida arquitecta. Diseños transversales que la han elevado a la categoría de adalid del diseño de vanguardia, aspiracional en el ámbito innovador y tecnológico, y una gran urbanista.

Como resultado fiel a su lenguaje y razonamiento arquitectónico, todos y cada uno de sus diseños, todas y cada una de sus obras llevadas a cabalidad. Diseños civiles y de interiores, que inevitablemente la encumbrarán como a una musa para profesionales de todo el orbe, presentes y futuros.

Hijo del famoso joyero y fundador de Tiffany & Co., estudió arte para colmar sus inquietudes vocacionales de convertirse en artista. Su exploración dentro del campo de los vitrales, fue su pasión durante toda su vida, llegando incluso a fabricar su propio vidrio. Tiffany fascinó con su técnica y sus diseños vegetales, religiosos o los ocasos del fin del día.

El diseñador, incursionó grácilmente en las artes decorativas, volcándose en la creación y diseño de elementos dispensadores de luz artificial; las lámparas, a las cuales impuso el color vibrante y el juego libre de líneas.

Iluminaron con sus suculentos motivos espacios exclusivos, llegando a formar parte de exclusivas colecciones decorativas de presidentes, aristócratas e incluso de la Reina Victoria de Inglaterra. Sin embargo, su principal destino fue la rica burguesía financiera e industrial muy demandante de estos objetos-joya.

Se estima que el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, alberga en sus fondos la colección más completa de obras de Louis C. Tiffany. Un ejemplo de ello, es el bello y sutil vitral “Otoño”.

Pongámonos en situación, el Modernismo, también denominado Art Nouveau, hace referencia a la corriente de renovación artística que en la belle époque, es decir, desde finales del siglo XIX hasta principios del XX, nació con el fundamento principal de crear un movimiento cultural de índole europea nuevo, fresco y libre de tradicionalismo.

En este contexto, Tiffany desarrolló su carrera como diseñador industrial en el ámbito artístico, a través de vitrales de alto contenido modernista. Así, logró conjugar creaciones inspiradas en la naturaleza, con la innovación tecnológica fruto de la revolución industrial, y el invento por parte de Thomas Edison de la bombilla eléctrica.

El Modernismo fue transgresor y rupturista con los lenguajes clásicos del momento. Lejos quedaron las influencias tradicionales academicistas, impresionistas o realistas. La nueva estética superó los cánones establecidos y Tiffany supo sacarle el máximo provecho con sus lámparas de metal y cristal.

Progreso, futuro e innovación, fueron elementos sin los cuales no se entiende el nuevo lenguaje estético del Art Nouveau. Ruptura con el pasado, el futuro entendido como un reto, un desafío donde se erigen nuevas normas y pautas estilísticas.

El nuevo siglo se esperaba con entusiasmo, y el incipiente estilo se internacionalizó. Se impuso en todos los dominios del arte y el diseño, creando atmósferas decorativas de gran exuberancia, y en comunión con la naturaleza.

Tiffany supo interpretar la emergente corriente modernista. Desarrolló interesantes trabajos con motivos florales, fauna exótica como pavos reales, y colores de ensoñación.

Popularizó sus fabulosas lámparas acuñadas como Modelo Tiffany, logró internacionalizarlas e incorporarlas en un mercado ansioso de nuevas formas de expresión en sus ambientes domésticos.

Elegantes curvas y delicados ritmos lineales colman las tulipas. Aúnan arte e industria, para ofrecer a sus selectos clientes productos bellos, fabricados con materiales costosos y una técnica artesanal.

Louis C. Tiffany, armonizó la flexibilidad de las líneas y la suntuosidad, con propósito decorativo. Los vidrios coloreados entendidos con absoluta libertad creativa, son el sustento ornamental de estos objetos mobiliarios.

Los viajes fueron muy influyentes en sus trabajos, especialmente cuando descubrió el vidrio medieval que iluminó iglesias en Francia desde el siglo XII, en tiempos del Románico y más tarde durante el Gótico. Supo articular su interés en el vidrio trabajado, con el diseño de interiores, logrando difundir y adscribir las artes decorativas en la categoría de bellas artes.

El ingenio de Tiffany y sus inquietudes artísticas, desembocaron en el desarrollo de la técnica de “lámina de cobre”. Esta, manipulada adecuadamente, haría posible un detallismo de gran delicadeza, desconocido hasta el momento.

Su fama se consolidó, cuando en 1882 el entonces presidente de los Estados Unidos, Chester A. Arthur, le encomendó la decoración de la Casa Blanca. Realizó sutiles y exquisitos vitrales, e incorporó vidrios opalescentes Tiffany a accesorios y lámparas de gas.

Posteriormente, el presidente Roosevelt realizó cambios estilísticos en la Casa Blanca, imponiendo el estilo Federal, en detrimento del trabajo de Tiffany que fue depuesto en su mayoría.

En 1885, el diseñador fundó su propia fábrica la Tiffany Glass Company, que más tarde se convirtió en la Tiffany Studios. Fue a partir de entonces que se consolidó en el mercado internacional, obteniendo un gran reconocimiento dentro del campo de las artes decorativas. Su seña de identidad gravitaba en su vidrio, diferente y genuino, de colorido tornasolado y vigoroso, denominado Favrile.

Para ello, utilizó el vidrio de la variedad opalina, cuya característica principal es su opalescencia, es decir, un tipo de vidrio semitraslúcido que se presenta en vibrantes colores; rosa, amarillo, azul, negro, blanco…

Además de producir principalmente vitrales y lámparas, la Tiffany Studios también revolucionó con una línea completa de accesorios y objetos decorativos de interiores.

Las lámparas caracterizadas por bases de metal, generalmente bronce, fueron producidas entre los años 1885 y 1920, decoradas con vitrales únicos y de factura excelente. Su popularidad disminuyó en el primer tercio del siglo XX, dado que los gustos de la época se orientaban hacia nuevos estilos. Sin embargo, a partir de los 60 las Tiffany volvieron a recuperar su esplendor, suscitando el interés de coleccionistas y museos.

En la actualidad, el valor de mercado de una lámpara Tiffany oscila alrededor de los dos millones de dólares, no obstante, se pueden encontrar fácilmente imitaciones de diferentes categorías, dónde las mejores, a su vez, son imitadas por modelos económicamente más asequibles.

Sí, Arte con mayúscula que en la vida cotidiana fluye sin ser visto, aromas de piedra en las pinceladas, en la naturaleza exacta, en la armonía musicalizada.

Tres tiempos en una idea. Frisos para la eternidad.

Un friso antiguo superpuesto en la literatura de los vivos, de los presentes y los futuros. Un friso para adornar fachadas de seda, de mármol, de polvo mágico intrínseco a su palpitar.

El tiempo decide sobre el Arte, el tiempo lo dice todo. Amansa a los tercos que no lo perciben. El tiempo inocula el Arte en los sentidos de los sensibles, y en los objetos que se muestran vívidos como una bandera al viento, con sus matemáticas áureas que nos miran, nos incitan, nos remueven…el Arte para subsistir.

Capricho de Apolo.

Cómo volar sin ver, oír, palpar; comprender la belleza oculta de los sentimientos expresados en una obra de Arte fruto del capricho de Apolo.

Arte para crecer en un nicho de sabiduría y comprender los hechos de los maestros a través de su cincel. Mañana, escrito hace siglos en los renacentistas rostros de Venus.

¡Ohhh! ¡Venus nacida del mar, del horizonte que nunca llega, de ese fondo marino de estrellas y almas de sal!

Se puede comprar Arte, pero no la sensibilidad, se puede robar Arte, pero no su alma, se puede regalar Arte, pero nunca su estigma de flor en primavera, nunca el armazón de cristal que envuelve su magia.

Sálvate del purgatorio de los ignorantes.

Si no lo entiendes no lo ves, si no lo oyes no lo aprecias, si no te acercas no te salva del purgatorio de los profanos.

¿Cómo vivir sin Arte? Busca cabellos en flor, retoños de almendro rosados con el primer sol, aguza tu vista, que tus manos palpen el frío calizo del sosegado umbral del templo.

Bronce impenetrable, alejado de habladurías y culpables, estatua de sal por mirar atrás, derrumbada por seísmo de lluvia, de la tierra mojada que la engulle, del viento que aleja su cuerpo desmembrado a los desiertos de la ignorancia.

No temas mirar, no temas ver lo que hay detrás del Arte, busca y encontrarás, remueve tu conciencia con olas de saber. Conoce al artista para entender su sentir, su pesar, sus inquietudes, conoce a Goya ensordecido por la enfermedad, bendecido con los susurros del Arte.

Arte de corazón caliente.

Terapia para el espíritu cuando estás triste, terapia para las fisuras del corazón, terapia para escalar una montaña inalcanzable en el mundo real, pero encumbrada en el Arte.

Existencialismo en lienzos y fuentes. Esculturas frías por la brisa de la sierra, de corazón caliente como león de sabana.

El artista, víctima de los sentimientos, vuela alto desde el abismo profundo del genio.

Un damnificado reincidente en el mundo romántico de los sentidos; inquietudes creadas. Corpóreos recién nacidos en lienzos de lino, en roca vetada, en muros desangelados bajo el manto de la noche.

Espectador, audaz en un intento por comprender, curioso como un felino, te acercas, observas, te embriagas de la emoción del descubrimiento, ¿puedes vivir sin Arte?

El Informalismo se agotó, y en los 60 Bacon reinventó el lenguaje de la figuración, la Neofiguración. El artista que comenzó su actividad como decorador de interiores, decidió en los 30 dedicarse al arte pictórico de forma autodidacta, llegando a 1947 dedicándose a esta disciplina en plenitud.

Sus aportaciones anteriores al drástico y exitoso cambio de rumbo neofigurativo, fue un período con interesantes aportaciones, sin embargo, en los 60 alcanzó la revolución figurativa. Bacon se nutría de fotografías y obras de arte del pasado, especialmente admirador de Velázquez, Goya y Rembrandt. Imágenes que en muchos de los casos siempre permanecieron en su estudio, en el suelo y/o amontonadas como en una instalación de povera.

La figuración de Francis Bacon fue inédita en su momento, forma deforme, figura desfigurada, angustia y catarsis pictórico. El individuo representado está sumergido en el desgarro de la sociedad contemporánea, una visión muy crítica de la actualidad que vivió el artista.

Sus composiciones encierran a los personajes entre paredes frías y desamparadas. Los aprisiona entre la incertidumbre y la angustia, y es así como los deforma. Deconstruye sus formas creando imágenes de gran impacto visual por su descarnada soledad e inseguridad.

Bacon mostró al ser agonizando, destruido en su propio habitáculo, sin esperanza ni nadie que se apiade de su alma. Las figuraciones que apreciamos en sus obras, nos impactan por su gravedad. El artista ha erosionado las figuras hasta sumirlas en la más profunda decadencia.

Desde “El grito de Munch” no se había expresado pictóricamente la angustia y la soledad, desde una perspectiva tan cruda y esperpéntica. La metamorfosis de la forma que no llega a convertirse en mariposa, sino que por el contrario se transforma en gusano con piernas, brazos y cabeza. Un gusano afligido sumergido en el desconsuelo y la agonía.

Trozos de carne muerta, cruda como el temor, sonrosada como la ansiedad de un mortal asustado. Individuos transformados hasta someterlos a la desfiguración de su pena. Bacon fue pionero en la representación del desequilibrio, proyectándolo en escenarios de inquietante plasticidad.

La disposición de las figuras en los lienzos, la transfiguración del agobio y la amargura, o la manera en que trató los rostros, fueron plasmados con una pintura dinámica y expresiva. De trazo ágil pero gentil, subrayó las líneas de sus figuras para mostrar al espectador que estas existían previamente a la mutación.

Una de sus grandes obras, fue la inspirada en el “Papa Inocencio X” de Velázquez. Imagen que deformó y transmutó hasta convertirla en una escena de ciencia ficción, casi extraída de un tráiler al más puro estilo de Álex de la Iglesia.

Su obra no pasó desapercibida ni siquiera a la entonces Primera Ministra británica Margaret Thatcher, quien comentó: “El hombre que pinta esos cuadros horribles”. Así, que Francis Bacon tuvo tantos entusiastas como detractores, y es que su obra se alimentaba de la atmósfera gaseosa de lo oscuro y malicioso del alma humana.

Cuerpos desmembrados, mutilados y expuestos como en un escaparate de carnicería. La guerra, su experiencia personal de ser rechazado en su propia familia o su tendencia a la autodestrucción, han alimentado sus telas. Ha crucificado al hombre, ha sellado su huella con una lectura de la cotidianidad, pesimista y sucia.

La unidad de las obras de Bacon no carece de ambigüedad, percibida esta, cuando el espectador admira cualquiera de sus trabajos desde distintos ángulos. Su pincel ha resultado ser de los más emblemáticos y perturbadores del siglo XX.

El período tras la Segunda Guerra Mundial, fue caldo de cultivo de sus atormentadas y descompuestas composiciones. El ser humano ha perdido la razón, se ha convertido en un monstruo y ahora vive su propia deformidad.

Inicialmente, sus trabajos no obtuvieron una buena acogida, todo lo contrario, por lo que el pintor destruyó gran parte de su obra temprana. No obstante, en 1946 su reputación comenzó a eyectarse cuando el Museum of Modern Art de Nueva York, adquirió para sus fondos la obra “Pintura”, con factura del mismo año.

Francis Bacon, un artista existencialista que desmoronó la figura humana a través de metáforas espirituales, de gran carga emocional y sensitiva. No hay observador que no quede sorprendido por el salvajismo compositivo del autor. Arte, orden y azar, así se ve un Bacon.

La felicidad que no perdura se llama placer: El arte y los amantes.

Tradicionalmente “el amor” ha sido el caldo de cultivo perfecto para crear composiciones artísticas de gran simbolismo romántico y trágico. Desde la Antigüedad hasta nuestros días, “el amor” ha deambulado por todos los géneros, dejando su huella sempiterna.

Literatura, ópera, escultura, pintura, grafitti…todas las categorías han abrazado pasiones, celos, deseos y enamoramientos. Las escenas representadas y sus personajes han conocido el drama, el romance o la comedia, una diversidad de estilos y perspectivas dónde sus protagonistas de una u otra forma han sido tocados por cupido.

Amantes históricos y el arte.

Parejas de amor, binomios cómplices, suspiros de plenitud, en definitiva, amantes que han tenido su espacio en el arte. Romeo y Julieta, Venus y Marte, Jasón y Medea, F. Scott y Zelda Fitzgerald, Cleopatra y Marco Antonio, Tristán e Isolda, y un sinfín de parejas históricas han sido representadas artísticamente.

Leyenda e historia han cedido a los artistas el testimonio de un momento mágico. Lienzos, mármoles, novelas, cine, música, cualquier soporte capaz de transmitir el amor es un buen vestigio para la posteridad.

Multitud de amantes desconocidos también han sido representados. El escultor rumano Constantin Brancusi realizó en 1910 la escultura “El beso”. Una talla en piedra, cuya singularidad socava en la simplicidad. No obstante, a pesar del frío material empleado, el momento captado no deja lugar a dudas, la pasión de dos enamorados se estrecha entre sus brazos, tan fuerte, que ni un silbido los podría atravesar.

En el mundo no deseo más compañero que tú.

Shakespeare, escribió en La tempestad: “En el mundo no deseo más compañero que tú”. Cita que el pintor Gustav Klimt pareció inmortalizar con sus pinceles en varias ocasiones. Sus amantes han visto la luz en obras como “Amor” de 1895, o “El beso” de 1907-8.

Paris y Helena fueron los amantes que, por su desmesurado amor, provocaron un tremendo episodio bélico, la guerra de Troya, en la Ilíada de Homero. Causa trágica inmortalizada por Jacques-Louis David en 1788, en su magistral obra de estilo neoclásico. El artista, creó una atmósfera íntima inspirada en los modelos escultóricos y mitológicos de la antigua Grecia.

Pablo Picasso en 1923 realizó una pintura figurativa denominada “Los amantes”. En ella, a través de una síntesis formal, representa a dos jóvenes enamorados cuyas manos unidas otorgan el simbolismo de la unidad.

El Gran Gatsby, tormenta de amor.

“El Gran Gatsby” de F. Scott Fitzgerald, es sin duda una de las novelas que reflejan literariamente las pasiones de los enamorados. Tormenta de amor, mentiras y sueños. Dos amantes rotos por sus destinos. Obra literaria llevada al cine con protagonistas de la talla de Robert Redford y Leonardo DiCaprio, este último que además en 1996 también protagonizó el film “Romeo y Julieta” de Shakespeare.

Los amantes en el arte, yacen en su pequeño universo envueltos en sedosas emociones. Los artistas han transferido sus visiones románticas a sus medios para así invitarnos a formar parte de ese momento privado. Observando las diferentes obras, sus autores y protagonistas comparten con nosotros esos sentimientos en un torbellino de emoción, ellos nos convierten en voyeristas de su intimidad.

El gesto del amor. Atmósferas de enamorados.

Felicidad y generosa alegría, de la que gozan los amantes en su momento íntimo y reservado; celos y pasiones que hacen pender de un hilo su relación. El arte nos brinda ese momento, un tiempo corto, pleno y cautivador. Una conversación entre amantes, erotismo, sensualidad y

El gesto del amor pintado o esculpido, las dulces palabras que se dedican los amantes, transcritas en ricas páginas de grandes autores. Atmósferas que seducen para que sus personajes enamorados disfruten de un tiempo juntos, derrochando caricias y susurros, tramando huidas y traiciones.

Amantes históricos, mitológicos y de ficción, seducen, cortejan, aman y sienten la fuerza de la vida a través del amor.